l'Organe magazine, Montréal

Humanidad

Pascale Gauthier-Dionne — 2008-03-01T05:00:00Z

« Qui es-tu sans le regard de l'autre ? » Cette phrase réflexive fut au départ le thème d'une recherche photographique que Miki Gingras et Patrick Dionne ont effectuée en commun il y a environ 8 ans, et dont l'exposition résultante, Dialogue Soliloque, a inspiré le nom de l'organisme qu'ils ont ensuite fondé : DIASOL. Cet organisme leur permet entre autres de collecter quelques fonds pour que survive leur grand projet : Humanidad. À bord de leur Westfalia, le couple d'artistes parcoure l'Amérique latine avec leur atelier photographique ambulant. Par l'entremise d'organismes communautaires locaux, ils forment des groupes de jeunes dont nous pouvons croire l'avenir assombri par la fatalité de leur milieu. Ces jeunes sont amenés à capter des images de leur réalité, avec une caméra qu'ils ont eux-mêmes fabriquée. Caméra qui, dans une première vie, n'était qu'une boîte de conserve. Avec sa propension à abattre les cloisons sociales et à susciter le regard sur certaines réalités ignorées ou voilées de préjugés, Humanidad ne cesse d'interroger ce « regard de l'autre ».

Des regards et des humains

Dernièrement à Montréal, l'exposition du photographe Paul Antoine Pichard a attiré l'attention des médias de façon temporaire, mais appuyée, sur les « habitants-travailleurs » de « villages-dépotoirs » de nombreux pays. Portant en leur tête et leur cœur une expérience personnelle sur des terrains similaires, ayant eux aussi fréquenté les hommes et les femmes qui travaillent et vivent avec ce que le reste de la société rejette, et ayant travaillé avec leurs enfants, Miki et Patrick posent un regard lucide sur le travail de ce photographe français. « Le texte qui accompagne les photos illustrait la dignité que ces gens ont, comment eux se perçoivent entre eux autres… Il illustrait que la misère que nous on peut voir à travers la photo, à travers leur situation, eux autres sont peut-être passé outre », comprend Patrick. Paul-Antoine livre un travail soigné, d'une clarté et d'un rendu esthétique qu'il s'est d'ailleurs vu reproché parfois, comme s'il en travestissait le sujet.

« […] Il y a de la dignité aussi à travers cet esthétisme de l'image. Ça nous amène à un autre niveau de réflexion. Des images crues, des images de déchets, de monde qui vivent dans la misère la plus profonde tous les jours, dans tous les médias de masse tu en vois, tu sais, et ça ne fait plus aucun effet à personne. Le traiter d'une façon un peu plus esthétique amène les gens à un autre niveau de réflexion », répond Patrick, avant d'évoquer la curieuse ressemblance d'un cliché en particulier avec le tableau « Les Travailleuses des Champs » du peintre Jean-François Millet (1814-1875). « Écoute, c'est nos champs des années du futur ! C'est nos champs à nous !! C'est des grosses poubelles !! »

« À ce rythme là, on va se ramasser tous à l'intérieur de ça, là ! », renchérit Miki. Les photographies en noir et blanc du projet Humanidad portent les marques particulières du procédé au sténopé de ces caméras artisanales, avec des flous, des déformations qui atténuent l'environnement capté dans une esthétique picturale, une poésie émotive, bref un langage différent de Pichard, mais ayant toujours l'être humain comme intérêt commun.

Démarche… artistique ?

Dernièrement, Miki et Patrick se sont vu refuser une subvention gouvernementale, refus s'appuyant sur l'argument ultime d'une absence de réelle démarche artistique en leur projet photographique.

« Si on tient au statut d'artiste, c'est que toute cette initiative-là est partie de notre démarche artistique, […] avec un souci d'implication sociale […], ou le petit côté qu'on veut que ça serve à quelque chose… », explique Patrick Dionne.

« On est entrain de traverser les Amériques, de vous montrez le regard, la position des jeunes qui vont être les adultes de demain, leur culture… on parle de mondialisation, on parle d'uniformisation des peuples […]. Moi j'appelle ça une performance : tu pars de chez vous, tu pars dans un truck, parce que tu veux comprendre, tu veux être encore plus présent dans leur vie, tu ne t'appropries pas leur culture, tu leur demandes de te la montrer ! Tu veux la partager avec les gens du Nord, parce que vous autres vous n'avez pas la chance d'y avoir accès ! Si c'est pas une démarche artistique ça ! », affirme Miki, avec émotion et conviction.

M - « Les enfants sont conscients qu'ils sont en train de monter un documentaire, et que ce documentaire-là va être présenté dans le nord, et qu'après il sera présenté chez-eux. »

Paul Antoine Pichard a un jour parlé de son rôle de photographe comme de celui d'un caillou dans une chaussure : là pour agacer, rappelant à son hôte la présence de quelque chose de désagréable, qu'on peut faire mine d'ignorer, mais qui agace tout de même. Sur ces paroles, Patrick Dionne ajoute : « […] mais nous, je te dirais qu'en plus, ce qu'on veut c'est que le petit caillou dans ton soulier, avant qu'il arrive là, il a servit aussi à quelque chose [là d'où il vient]… ».

Qu'il soit appelé objet d'art par « l'institution artistique » ou non, le caillou peut néanmoins demeurer ce petit intrus qui dérange. Il en faudra encore de ces cailloux.

Le stand-up comique d'un homme tragique

Pascale Gauthier-Dionne — 2008-02-01T05:00:00Z

« Le personnage sort littéralement de son corps, c'est comme s'il se débranchait de son coma » explique Pierre-Michel Tremblay, auteur de la pièce Coma Unplugged. Le théâtre de La Licorne devient ainsi le lieu où le personnage de Daniel, chroniqueur d'humeur et d'humour cynique, donne en spectacle le bilan de sa vie, le bilan décisif… Bienvenue dans le non-lieu de la mort imminente… et délirante. Rencontre avec l'auteur de l'ultime « one man show » d'un volubile désillusionné.

Steve Laplante incarne ce chroniqueur dans la mi-trentaine de façon très naturelle, faisant couler les allocutions de son personnage avec cette illusion de spontanéité convaincante. Un jeu efficace lors de ces véritables joutes verbales, particulièrement face à son ex-conjointe au caractère facilement explosif et finalement fragile, interprétée par la talentueuse et énergique Marie-Hélène Thibeault.

Le voilà maintenant, à l'aube de sa probable finitude, à décider s'il doit revenir ou se laisser partir. Une dernière chronique à livrer dans l'idée même du rêve partagé qu'implante notre société comme étant l'idéal de la reconnaissance publique : sur scène, devant des spectateurs attentifs.

Pierre-Michel Tremblay garde toutefois à l'esprit que, dans le royaume du cynisme, la tendance moralisatrice se tapit dans l'ombre. « […] Quand j'écris, ce n'est pas dans l'intention de dénoncer, de faire le procès, de critiquer. C'est d'abord pour raconter une histoire, et pour parler du monde dans lequel je vis. Pas dans une optique moralisatrice, mais dans une optique de questionnement et de réflexion. […] C'est sûr qu'en écriture, les frustrations, la bêtise humaine et tout ça sont des incitatifs à écrire, mais c'est d'abord vouloir raconter l'histoire… », explique le prolifique auteur qui use de sa plume non seulement au théâtre, mais aussi pour la scène humoristique, faisant en plus sa marque à la télévision et bientôt au cinéma.

Une comédie du tragique

En fait, l'on peut comprendre le discours de Daniel à un premier degré : un plaidoyer sur les lacunes d'un monde imparfait et à ses habitants tout aussi imparfaits. Cependant, l'idée qui finalement en ressort serait plutôt celle du témoignage d'un homme révélant quelques effets secondaires possibles découlant de ces faits de société. C'est l'Être humain qui semble intéresser l'auteur, l'Être humain en réaction. Un angle universel, dans un style favorisant la réflexion. « C'est ma forme d'expression, l'humour et l'absurdité. S'il n'y avait pas d'humour, j'ai l'impression que ça deviendrait trop lourd tout ça, » pense celui qui est aussi professeur à l'École de l'Humour de Montréal.

Dans chaque personnage, il y a une douleur. On ne peut d'ailleurs oublier la mère de Daniel, méconnaissable et saisissante Louise Laparé, usant de cascades de mots comme un calfeutrant pour ses carences. Ses personnages, Pierre-Michel Tremblay s'amuse à cacher d'abord leurs faiblesses, leurs blessures, sous quelques couches d'absurde, d'humour, de cynisme… autant de carapaces qui finissent par se fendiller de partout. L'humour et le tragique font bon mariage lorsqu'il est question d'amadouer pour mieux provoquer le malaise.

Cabaret lyrique

La logique du déroulement de la pièce colle au principe même du fonctionnement de la pensée. Des idées surgissent, des flashback s'entremêlent, des situations se répètent en boucle, des éléments fusionnent… mais l'absurde que l'on acceptait selon les lois floues de cette logique prend bientôt sens. « Il faut accepter de pas tout savoir, et que les choses prennent leur place tranquillement…, » tient à rappeler l'auteur.

Point fort de la pièce Coma Unplugged : le choix de mise en scène audacieux, accrocheur, divertissant et surtout efficace, fruit de l'imagination de Denis Bernard, connu comme acteur, et désormais certainement reconnu comme un metteur en scène fort imaginatif. « En fait, le Cabaret, c'est vraiment Denis [Bernard] qui est parti d'une réplique que dit le personnage… », révèle Pierre-Michel. « Il m'a dit « moi comment je vois ton texte, ce serait à partir de cette réplique-là. Denis est parti, et il a fait de son coma un cabaret. […] Mais Denis n'avait pas une idée de ce que devrait être le texte, il avait une vision de comment ce texte-là allait se transposer sur scène. C'est très différent, c'est une vision qui ne touche pas à la parole, à l'écriture. C'est l'enrobage, c'est l'univers de tout ça. »

Un univers loufoque, dans un kitch de cabaret un peu glauque… Et il y a cette salle de spectacle exiguë, intimiste, qui n'est pas étrangère cette apparente adhésion du public au spectacle.

« C'est quelque chose que je trouve bien appréciable à la Licorne : l'intimité que tu as avec les acteurs. […] », Confie Pierre-Michel Tremblay. « Dans le show, il y a des chansons, de la musique, il y a toutes de sortes d'ambiances, donc c'est à la fois bien spectaculaire, mais tu ne perds rien de toutes les petites affaires que les acteurs font. Ça, c'est bien intéressant. […] Je trouve que l'intimité avec d'autres êtres humains qui sont sur la scène, ça singularise beaucoup le théâtre. C'est une belle voie pour le théâtre que ça soit dans l'intimité, qu'on soit proche des acteurs. Tu as vraiment l'impression que tu as une rencontre, que tu es avec eux autres. » Le lieu parfait pour ce stand up tragique d'un homme comique, ou ce stand up comique d'un homme tragique.